Sous un soleil caniculaire, Daphna, une jeune flic récemment mutée de Tel Aviv à la pampa israélienne, parcourt une plaine isolée. C’est là qu’on a retrouvé le portable d’une ancienne reine de beauté qui s’est volatilisée. Mais tout le monde semble s’en moquer. Sous la caméra de Maya Dreyfuss, cette étrange disparition devient vite le prétexte à un état des lieux de la condition de la femme en Israël (pas fameux, on s’en doute).

Dans les années 90 (Epouses et concubines, Vivre ! ...), jusqu’au début du nouveau millénaire (Hero, Le secret des poignards volants...), le cinéma ample et chiadé de Zhang Yimou en faisait l’un des fleurons de l’industrie chinoise, sorte de vitrine de luxe pour un public international conquis. Si l’intéressé n’a jamais cessé d’œuvrer, l’impact de ses grosses productions se limitent désormais principalement au seul marché national (il a même été accusé d’être devenu un artiste officiel du régime).

Si la trame de la virée entre amis à la campagne qui dégénère a des airs de déjà-vu, le québécois Philippe Lesage prend le concept à bras-le-corps en livrant un film-fleuve qui impressionne à plus d’un titre. Déjà par sa durée (2h40) qui permet de décortiquer chaque conflit et de pousser les personnages dans leurs retranchements. Ensuite par sa manière de mêler les genres et de teinter ce drame social d’une pointe de cinéma d’angoisse et d’aventures.

En deux ans et trois films, Ti West aura bâti une étonnante trilogie et, surtout, créé une fabuleuse héroïne de cinéma, Maxine Minx – grandement aidé dans cette entreprise par une actrice déchaînée, Mia Goth, véritable co-autrice de la saga. X (sorti en 2022) était une variation sur Massacre à la tronçonneuse qui postulait une gémellité (esthétique, industrielle, politique) entre le cinéma d’horreur et le cinéma porno.

Et si les zombies n’étaient pas violents et ne représentaient pas une menace ? Alors qu’un virus a transformé une partie de la population en une masse de « non-vivants » errant sans but, trois trafiquants de cadavres cherchent à tirer profit de la situation avec maladresse. Dans un monde peuplé de morts ambulants opprimés, détestés et exploités, le trio de geeks loosers se retrouve confronté à une organisation secrète malveillante. Fun et dynamique, aussi bien interprété qu’écrit, le film révèle les forces de ses créateurs.

A l’heure où tout le monde déteste les milliardaires, il y a quelque chose d’étonnant à relancer la saga Largo Winch. Recommencer à suivre les aventures du golden routard, alors que certains préfèrent désormais voir les têtes des patrons sur des piques plutôt qu’en couverture de BD ou sur des affiches, c’est audacieux. Mais cette troisième aventure de Largo a eu l’intelligence de prendre en compte les évolutions de la société. Le héros n’est plus un super riche indolent et une tête brûlée. C’est un père, renvoyé constamment à ses failles et à ses incapacités par son fils.

 Le point de départ est simple : un personnage, celui d’une journaliste déchue, et un lieu, celui de sa maison d’enfance dans laquelle elle s’est retirée pour travailler sur son podcast d’investigation. C’est à ce moment précis qu’elle reçoit un tuyau qui l’amène à examiner une mystérieuse affaire dont l’objet central est… une brique. Au premier coup d’œil, Monolith se vend comme un thriller en huis-clos sur la fascination toujours plus malsaine pour le fait divers. Garde à ceux qui tomberont dans le piège.

Ebba a une existence des plus banales : elle travaille comme femme de ménage au port d’Oslo, n’a pas vraiment d’amis, et s’amuse à rêver d’une autre vie. Mais gare à ce que le fantasme ne se transforme pas en obsession ! Alors que ses propriétaires lui confient de surveiller leur maison pendant leur absence, Ebba envahit la demeure : elle dort dans leur lit, utilise leur voiture, porte leurs vêtements, et surtout, y amène un homme amnésique à qui elle feint d’être sa petite-amie.

Quelque part dans les montagnes géorgiennes, un téléphérique fait la liaison entre un village et la vallée. À bord des cabines, Iva et Nino, deux hôtesses chargées d’acheminer les passagers, se croisent du matin au soir. Chaque rencontre est une célébration et donne lieu à d’amusantes situations… Voilà ce qu’on peut dire du scénario de cette pudique romance lesbienne, que le réalisateur allemand Veit Helmer a jugé bon d’étirer sur plus d’une heure.

Tiens, Twister revient. Au pluriel, avec un « s », comme au bon vieux temps d’Aliens.

Entre le choc Limbo et le film de baston City of Darkness (en salles le 14 août), Soi Cheang a tourné un autre film, qui sort un peu par surprise chez nous ce 17 juillet : l’histoire d’un astrologue un peu frappé, qui prend sous son aile un ado borderline fasciné par le tueur en série qui rôde dans la ville… Là où Limbo et City of Darkness frappent notamment par leur storytelling très pur, très direct, Mad Fate prend un malin plaisir à brouiller les pistes et les récits, comme s’il voulait jouer avec la notion même de destin tel que tente de le manipuler

Ce devait être un week- end tranquille. Une partie de golf comme ils ont l’habitude d’en jouer réunissant une prof de yoga, son mari et l’associé de ce dernier dans une entreprise de résidences pour personnes âgées qui va être soudain perturbé par l’arrivée d’un quatrième homme. Un mystérieux inconnu au charisme singulier tout sauf là par hasard dont on va peu découvrir le pourquoi de la présence et qui va confronter le trio à des vérités enfouis dont le surgissement ne sera pas sans dommage.

Le geste témoigne d’une envie de cinéma indéniable, d’un désir de s’éloigner du naturalisme pour raconter un quartier parisien, celui de Château rouge, loin des images d’Epinal et par le seul prisme sociétal. Et pour cela, Julien Paolini (Amare Amaro) suit les pérégrinations d’un flic en burn nout, dont la réalité du terrain et une intervention qui a mal tourné ont mis en mal son idéalisme.

Eat the Night accomplit un petit exploit de cinéma, pas si anodin : représenter de façon réaliste un faux jeu vidéo dans l’espace de sa fiction -ce que tous les films qui l’ont tenté ont foiré (les fans d’Avalon peuvent écrire à la rédac pour se plaindre). En l’occurrence, il s’agit de Darknoon, un MMORPG de fantasy qui se situe entre World of Warcraft et League of Legends, et qui obsède la jeune Apolline, tandis que son frangin et partenaire de jeu préfère vendre des drogues de synthèse dans l’underground environnant Le Havre.

Il y a 20 ans, Vera était séparée de son fils à la naissance. À l’hôpital, alors qu’elle l’a vu naître, on lui a annoncé que l’enfant était mort et son dossier a disparu des archives. Comme si cet accouchement qu’elle a pourtant vécu n’avait pas existé. Comme beaucoup de mères dont les enfants ont été enlevés par la dictature franquiste - on estime aujourd’hui que 300 000 pourraient être concernés -, elle va alors rechercher ce fils qu’elle n’a pas pu connaître.

Les temps sont durs pour Tom et sa femme Sarah. L’architecte hier prisé vient de connaître un échec retentissant. La maison où ils vivent est devenu hors de les moyens et contraints à la vendre, ils organisent un ultime dîner avec un couple de proches. Une soirée qui tourne au cauchemar quand, après s’y être imposée, Jessica, une ancienne amie, écrivaine à succès que jalouse Sarah (persuadée qu’elle a plus que des vues sur son homme) va se pendre dans le jardin ! S’il venait aux oreilles de l’acheteur du lieu, ce geste signerait inéluctablement l’annulation de la vente.

L’Inde a frappé fort à Cannes. Avec All we imagine as light de Payal Kapadia qui marquait le retour du pays en compétition après 30 ans de disette, couronné d’un Grand Prix du Jury. Et donc avec Santosh, présenté, lui, à Un Certain Regard. Un premier film de fiction signé - et ça se voit par le regard qu’elle porte sur les situations et ses personnages ! – par une réalisatrice issue du documentaire.

Après son premier long The Guilty sorti en 2018, qui avait eu droit à sa copie conforme américanisée sur Netflix, Gustav Möller récidive dans le thriller en huis clos. Cette fois-ci, le cinéaste danois enferme son personnage (et le spectateur par la même occasion) entre les murs d’une prison. Gardienne pénitentiaire respectée, le quotidien d’Eva va être bouleversé par le transfert d’un taulard condamné pour meurtre.

Sélectionné au festival de Tribeca, ce premier long met en scène un jeune prof de musique qui, alors que l’heure des vacances a sonné, réunit dans le collège désert de leur enfance ses cinq ex meilleurs amis avec qui les liens se sont distendus. Des retrouvailles placées sous le signe de la tristesse puisqu’organisées en hommage à sa sœur jumelle brutalement disparue. Ce point de départ pourrait laisser croire à un récit purement programmatique autour du deuil, comme il en existe tant. A tort. Dire qu’il révolutionne tout serait mentir mais il y a une patte Cotten- Rozé.

Des montagnes inquiétantes, un vent à décorner les bœufs, une pluie incessante, un terrain boueux propre à effacer toutes traces...  Le tout baigné dans un crépuscule quasi permanent qui recouvre de ténèbres le moindre espace... Pour son incursion dans le polar, le chinois Shujun Wei auteur de plusieurs longs métrages inédits chez nous, ne lésine pas sur la marchandise et offre une atmosphère ah hoc. Nous sommes dans la Chine des années 90, soit juste avant le boom économique. Une série de meurtres particulièrement violents ensanglante un bled en plein cœur du pays.

Derrière et devant la caméra dans le rôle-titre, Emmanuel Laskar n’a pas choisi la facilité pour son premier long de réalisateur. Il s’essaie à une parabole sur la mort dopée à la comédie absurde à travers un personnage de medium capable de parler avec les disparus mais à l’ouest dans sa vie perso, plombée par le décès de sa mère et une rupture douloureuse. L’anti- héros par excellence qui, lorsqu’il retombe amoureux d’une artiste veuve depuis peu, doit se coltiner les apparitions régulières de son mari décédé qui voit d’un mauvais œil cette relation !

Un ouvrier du bâtiment qui se perd dans l’infiniment grand, à errer entre les immeubles en béton de Bruxelles. Une chercheuse en biologie qui explore l’infiniment petit, en observant au microscope des variétés de mousses végétales. Ils ne se connaissent pas, ils vont se rencontrer, mais pas tout de suite, pas maintenant.

Lucie (Isabelle Huppert en mode pavillonnaire) est une fonctionnaire de police proche de la retraite et surtout hantée par le suicide de son mari, policier lui-aussi. On sent la volonté chez Téchiné de nous faire pénétrer au cœur d’une institution en souffrance par son versant humain. Les premières séquences jouent la carte du réalisme. Un regard bientôt contrarié par l’amitié naissante de Lucie avec un couple de voisins dont l’homme est un casseur de flic (Nahuel Pérez Biscayart). Dilemme moral et renversement possible des valeurs.

Dans un prologue halluciné, on vibre aux batailles épiques et aux intrigues politico-familiales abracadabrantesques drapées dans une nuée de SFX et de fracas morbides (les corps tombent, les membres se disloquent). C’est barbare, mythologique, et totalement réjouissant. Tous ces morceaux de bravoure introduisent une histoire qui, inspirée d’une légende traditionnelle et pompant allègrement Game of Throne ou Le Seigneur des anneaux, raconte un combat acharné entre les Dieux, les hommes et les sages taoïstes entrecoupés de duels fratricides.

La famille Gru s’agrandit ! On dit bonjour à Junior, petit garçon tout mignon coiffé d’une mèche rousse et qui fait drôlement la misère à son cher papa. C’est autour de lui, que l’intrigue principale se noue, puisque le nouveau super-vilain, Maxime Le Mal, l’homme cafard, veut l’enlever pour se venger d’une vieille rancune avec Gru qui frise le ridicule, à l’image de son accoutrement. Dans l’exécution, Moi Moche et Méchant 4 n’a rien de révolutionnaire.

Un film ou un épisode ? Un film et un épisode ? Plutôt "épisode pilote", en fait. Rien à voir donc avec Haikyū!! : La Guerre des poubelles (en salles depuis le 12 juin), précédent film sorti par la plateforme d’animation japonaise Crunchyroll qui était un film en soi (consacré à un match de volley entre équipes lycéennes) avec un début et une fin.

Deux des comiques les plus en vogue s’amusent à jouer les SDF, et mènent en bourrique une pauvre femme qui aide les plus démunis. Raphaël Quenard fait encore et toujours du Quenard et Jean- Pasclz Zadi joue avec des accents étrangers… Si l’on avait abandonné l’idée de (sou)rire devant cette comédie de mauvais goût, on découvrira avec agacement un final réconciliateur façon « tout le monde il est beau tout le monde il est gentil ». Le film dépolitise la pauvreté et cela semble faire sourire tout le monde. Pourquoi !?

Nicolas Moreno

Perdue au milieu des forêts du Puy-de-Dôme, Elsa peine à retrouver ses repères après la disparition de son frère lors d’une mission spatiale. Entre un travail inconfortable et une famille déséquilibrée, la jeune femme découvre un jour qu’une étrange voix extraterrestre communique avec elle depuis l’intérieur de sa tête et lui assure que son frère est vivant … quelque part dans l’univers. Mais l’alien lui propose un ultimatum pour ramener l’astronaute.

Tout juste licenciée de son poste d’agent d’entretien, Ramona lutte pour assurer l’avenir financier de sa fille de dix-huit ans. Cette mère de famille espagnole, précaire, en colère et toujours pressée, se lance alors dans la recherche d’emploi jusqu’à l’épuisement. Álvaro Gago signe un premier film profondément engagé et reprend le personnage de son court métrage de 2017 du même nom consacré à la routine de Ramona dans une usine. Ici, c’est María Vázquez (Mataharis et Eye for an eye) qui interprète le rôle avec aplomb.

Figure de proue d’un cinéma d’avant-garde argentin, Eduardo Williams explore avec sa série Human Surge la nature des relations entre les humains des quatre coins du globe. Suite sans lien d’un premier opus (il n’existe pas d’opus numéro 2), The Human Surge 3 se déroule, lui, au Sri Lanka, au Pérou et à Taïwan, et prolonge la mise en scène et rapport d’hommes et de femmes qui ne se seraient jamais croisés sans l’existence du cinéma.