Les passionnés de construction en terre crue seront comblés : un documentaire décortique ce sujet niche aussi bien grâce à l’expertise d’archéologues et d’architectes que d’une immersion au sein d’un chantier participatif. Les autres, par contre, auront un peu plus de mal à se passionner pour ces charmants édifices en terre : les témoignages leur sembleront éparses, le fil conducteur fragile, et le contexte historique trop vite effleuré pour réellement saisir les vertus éco-responsables de ce matériau…

Rares sont les documentaires attentifs aux « mères sans enfant », ces femmes forcées de naviguer le vide que laisse une mort périnatale. Pourtant, Eugénie Zvonkine en fait sa mission : suite à une IMG, elle décide dans un élan cathartique de récolter les témoignages de trois femmes rencontrées dans un groupe de parole, sans jamais couper sa caméra. Ainsi, elle leur laisse le temps d’exhaler la douleur, accompagnant le silence qui vient avec les larmes, bien plus évocateur que des mots.

Situé en 1996, à une époque où toute forme d’art était interdite dans les lieux publics en Arabie Saoudite, ce premier long métrage raconte comment un instituteur fraîchement arrivé dans un village isolé noue avec une jeune femme une relation artistique à travers un portrait secret qu’elle lui demande de dessiner. De ce récit épuré, Tawfik Alzaidi tire une tension admirable, où les silences subliment les visages et où les paysages rocheux incarnent à merveille le besoin universel de se libérer des entraves.

Bambi en live action : en attendant que Disney le fasse, un jour ou l’autre inévitablement (mais avec des animaux 100% numériques comme son remake du Roi Lion), voici la version française. Et ce par le prisme d’un documentaire sur la jeunesse d’un faon habillé par une légère dramaturgie -et surtout une voix off (celle de Mylène Farmer) pour nous rappeler que le héros s’appelle Bambi. Au fond, cela nous interroge un peu sur la porosité entre fiction et documentaire, et sur le mélange que fait le cinéma entre le vrai et le faux.

Attaché de presse depuis des années, courroi de transmission entre ceux qui font les films et les journalistes, Hassan Guerrar passe de l’autre côté du miroir et signe sa toute première réalisation en mettant le cap sur le quartier parisien de Barbès dans lequel son personnage principal, un quadragénaire célibataire, emménage et accueille son neveu fraîchement arrivé d’Algérie. Le point de départ d’une chronique toute en finesse, portrait de la communauté algérienne qui vit et fait vivre ce lieu du nord de la capitale.

Huit ans après le merveilleux Ma vie de courgette, dire que le nouveau Claude Barras était attendu tient de l’euphémisme. Et, disons- le d’emblée, il n’a pas raté la marche avec ce conte écologique qui a déjà séduit Cannes et Annecy.  Il nous entraîne ici à Bornéo, dans une forêt tropicale ancestrale menacée de destruction par des sociétés forestières âpres au gain.

Comme pratiquement tout film ouvrant joyeusement le robinet à hémoglobine, Terrifier 3 est précédé de rumeurs de malaises dans les salles, de vomissements incontrôlables et de gens outrés qui quittent la projection au bout de dix minutes. Schéma usé de promotion du cinéma d’horreur ? Peut-être pas seulement : le long-métrage a carrément été interdit aux moins de 18 ans chez nous (de l’inédit depuis Saw 3 en 2006), mettant son distributeur dans une situation potentiellement délicate. Mais de quoi parle-t-on, au juste ? 

On avait découvert Isabel Coixet en 2003 avec le bouleversant Ma vie sans moi. Mais jamais depuis elle n’a retrouvé cette magie- là. Pas plus qu’elle ne le fait avec ce nouveau portrait de femme, une trentenaire qui se retire dans un village espagnol où elle passe un singulier deal avec son voisin, échangeant des faveurs sexuelles contre des travaux. L’entame est prometteuse, l’âpreté ambigüe de l’ensemble prenante mais tout se délite au fil d’un récit trop long qui à force de bégayer suscite l’ennui.

L’héroïne de ce récit d’apprentissage inspiré d’une histoire vraie, s'enfuit de la secte chrétienne où elle a été élevée pour retrouver sa sœur, qui vient de disparaître. A Montréal, elle fait la connaissance de sa drôlatique tante et va s’émanciper, interroger ses croyances, trouver sa voie. La réalisation est un peu sommaire, le scénario façon Unorthodox teinté de poncifs. Mais Nathalie Saint-Pierre observe ses attachants personnages avec une telle tendresse que le charme opère en dépit de tout.

Emma Poesy

C’est le genre de documentaire HBO sur une vieille gloire hollywoodienne que l’on regarde en général en streaming à la maison. Le nom de Superman dans le titre de celui-ci a convaincu la Warner de le sortir en salles, afin de battre le fer à quelques mois de l’arrivée d’une nouvelle version des aventures du Man of Steel, réalisée par James Gunn.

Quand son fils, Lars, a un accident à l’école, Nina, interprétée par Maren Eggert (I’m Your Man), brillante cheffe d’orchestre, décide de s’éloigner du Conservatoire et d’emmener son fils dans leur maison de vacances, pour se rapprocher de lui. Au titre explicite, Pas un mot évoque le silence confus entre une mère et son enfant, alors que toute tentative de communication est perturbée autant par une sonnerie de téléphone, que par un éloignement physique. Ils sont seuls, proches, et pourtant, une distante proximité les sépare.

Face aux codes souvent figés des biopics, Céline Sallette fait un pas de côté en relatant seulement neuf années de la vie de la peintre et sculptrice Niki de Saint Phalle, avant qu’elle ne connaisse la célébrité. Situé de 1952 à 1961, le récit met en valeur le processus de libération de Niki vis-à-vis de l’inceste qu’elle a subi à l’enfance et montre combien sa vie rangée d’épouse et de mère de famille constitue une impasse dont elle va devoir s’extirper.

Ellen Kuras signe ici son premier long-métrage de fiction. Chef opératrice réputée, elle avait signé la lumière si caractéristique d’Eternal Sunshine of the Spotless Mind opérant un rapprochement avec Kate Winslet. Elle s’est peut-être dit qu’elle était la mieux placée pour raconter la vie d’une femme d’images, en l’occurrence Lee Miller, muse de Man Ray, une des première photo-reportrice de guerre qui aura réussi à imposer son regard durant la Seconde Guerre Mondiale.

Jusqu’à la fin de ses jours, Christian Lara a filmé les Outre-mer et ses habitants. Lui, père du cinéma antillais, décédé l’année dernière, a dépoussiéré une dernière fois l’imaginaire collectif de son île et ses faits divers dans son ultime long-métrage – L’homme au bâton, une légende créole. En 1956, plusieurs femmes sont assassinées. Le tueur, dit l’homme au bâton, n’a jamais été arrêté. Des années plus tard, deux femmes meurent dans les mêmes circonstances. La légende renaît.

Et si le langage médical créait une frontière entre le docteur et le malade ? C’est ce que le Dr. Esteban Rubinstein, éperdument passionné par Nietzche, tente de démontrer. A chaque consultation, le médecin questionne ses patients sur leur propre manière de définir la maladie. Mais, aussi intéressant que ce pas de côté puisse être, on garde plutôt l’impression d’un converti donneur de leçon. Et peinant à trouver une direction au milieu de la compilation d’échanges, le documentaire laisse une place floue au philosophe moustachu.

Bastien Assié

 Et si les moines et les détenus avaient plus de points en commun qu’il n’y paraît ? Les similitudes sont frappantes : même isolement, même vie communautaire, et même logis, puisque de nombreuses abbayes sont devenues des prisons. C’est le cas de la Maison centrale de Clairvaux, dans laquelle Eric Lebel s’aventure avec ce parallèle innovant en tête. Ni glorifié, ni diabolisé, le milieu carcéral est ici humanisé par les témoignages de deux détenus, Michel et Pierre-Jean, touchants de sincérité.

Après avoir claqué la porte au nez de Disney, et réalisé quelques-uns des succès de DreamWorks (Dragons, Les Croods), Chris Sanders fait son retour dans l’animation avec Le Robot Sauvage, l’adaptation du livre jeunesse de Peter Brown. Dans un monde futuriste, Roz, un robot d’assistance, échoue sur une île loin de toute civilisation. Pour survivre, elle se met à imiter ce qui l’entoure. Monstre aux yeux des autres animaux, elle se montre pourtant curieuse et volontaire, toujours à la recherche d’une tâche à accomplir.

Il a réussi la performance, dans un festival de Cannes où la course à la Palme écrase toujours tout, à y exister fortement bien que présenté en dehors de la compétition. Puis il conquis avec la même ferveur le public du festival du film francophone d’Angoulême.

Comment Donald est-il devenu Trump ? Ali Abbasi (Border, Les Nuits de Mashhad) ausculte le futur président américain dans les années 70, alors aspirant entrepreneur immobilier mais déjà armé d'un appétit féroce pour la gagne, l’argent et le clinquant. L'idée de ce biopic pas si conventionnel dans la forme - l'image traitée façon VHS usée, gimmick a priori un peu lourdingue, apporte finalement pas mal à l'objet - est de raconter l'origine du mâle à travers sa faille originelle : un père tyrannique impossible à rendre fier.

Cinq ans après son triomphe critique et commercial, que reste-t-il de Joker ? Ce n’est pas un journaliste cinéma en mal de sujet pour son prochain édito qui pose la question, mais Todd Phillips et Joaquin Phoenix eux-mêmes, dans Joker : Folie à deux, une suite presque intégralement consacrée à ressasser les événements du premier film.

Leonid, Ukrainien de 95 ans, a un rêve : gagner une compétition internationale de tennis. Et il a toute ses chances puisque dans sa catégorie les adversaires se comptent sur les doigts d’une main. Super Séniors nous fait suivre quatre fous de la raquette pour lesquels l’âge n’est pas un frein mais un moteur. Romancés par une mise en scène attendrissante, ils nous font sourire et nous donnent le genre d’espoir que l’on attend d’une histoire de sport. Plus qu’une envie : oublier son arthrose et enfiler ses baskets.

Bastien Assié

La crise artistique de Michel Gondry – détaillée dans son précédent film, Le Livre des solutions – est-elle terminée ? Malheureusement non, si l’on en juge par Maya, donne-moi un titre, compilation de courts-métrages bricolés avec du papier découpé et animés en stop-motion, mini home-movies que le cinéaste a l’habitude de fabriquer à la maison pour sa fille Maya. La petite donne un titre à son papa (genre « Maya sirène » ou « Maya policière et les trois chats ») et celui-ci s’emploie à lui inventer une jolie histoire farfelue.

Après la série Stalk, Simon Bouisson a choisi de creuser doublement le thème du voyeurisme pour ses débuts sur grand écran avec pour héroïne, une étudiante en architecture (Marion Barbeau, impeccable), travaillant secrètement comme camgirl pour gagner sa vie, qui découvre un jour en rentrant chez elle, qu’un drone déboule régulièrement pour scruter chacun de ces actes. Qui se cache derrière ses commandes ? Un inconnu qui lui veut du bien ? Un pervers qui veut en faire sa proie ?

En matière de paranoïa domestique, Roman Polanski a tué le game il y a bien longtemps avec Repulsion (1965) ou Rosemary’s Baby (1968) faisant de la claustration l’enjeu même d’une réflexion sur la mise en scène. On ne va évidemment pas s’amuser à juger les films à l’aune de ces écrasantes références. Pour autant cette Damnée joue sur une note tellement entendue et attendue qu’on scrute la façon dont un jeune cinéaste peut se réapproprier ces figures.

On sait combien François Ozon aime, depuis maintenant vingt-cinq ans qu’il officie au cinéma, observer les failles et culpabilités humaines en passant malicieusement de la comédie à la tragédie. Après la tonalité drôle et ludique de Mon Crime, le cinéaste revient ainsi à une intrigue criminelle en privilégiant cette fois les zones d’ombre, l’ambiance dramatique et les couleurs grises de l’automne.

Tout part d’un récit autobiographique. Celui d’Amy Liptrot, une Ecossaise qui, après des années d’excès à Londres où elle est devenue dépendante à l’alcool, a entrepris une cure de désintoxication de 90 jours, rude, chaotique, épuisante sur l’archipel des îles d’Orcade, qu’elle a chroniquée dans un roman, couvert de prix lors de sa publication en 2016.

Le bain du diable : le titre est celui d’un film d’horreur mais The Devil’s Bath, nouveau long du duo Veronika Franz-Severin Fiala (réalisateurs de Goodnight Mommy, qui ont aussi bossé avec Shyamalan sur la série Servant), ne relève pas tout à fait du genre horrifique. Pas au sens strict, du moins. Tout le film est néanmoins comme hanté, traversé d’images morbides, plongé dans une atmosphère lugubre, pesante et néo-bergmanienne, qui évoque un peu les ténèbres existentielles dans lequel baignait déjà The Witch de Robert Eggers.

Être une femme indépendante, une cinéaste engagée et donc une voix dissidente. Payal Kapadia, 38 ans, représente peut-être une bonne partie de ce que le régime nationaliste en place en Inde depuis dix ans ne veut pas voir, ni entendre. Son All we imagine as light arrivait en compétition à Cannes (où il a obtenu le Grand Prix) brisant trente ans d’absence du cinéma indien sur les prestigieuses marches rouges. Il suit l’itinéraire de deux infirmières d’un hôpital de Mumbai qui partagent un petit appartement.

En 2019, Vincent Delerm passait pour la première fois derrière la caméra avec Je ne sais pas si c’est tout le monde, un documentaire qui prolongeait son travail sur la mémoire au cœur de son parcours de chanteur depuis toujours. Avec un art de magnifier les petits riens qui constituent l’essence de nos vies par une poésie espiègle qu’on retrouve dans ce Cœur qui bat où il est parti à la rencontre de femmes et d’hommes de toute génération, anonymes comme célébrités, pour leur faire parler du sentiment amoureux.

L’Asie représente un marché incontournable pour l’Occident, et Luc Besson lui fait les yeux doux en produisant et scénarisant un film d’action comme il en existe mille, dont la seule singularité résiderait dans le lieu de l’action : Taipei donc. Comme son titre romantico-niais le laisse deviner, Taïwan n’est jamais plus qu’une toile de fond, une carte postale à peine filmée pour servir de décor à une vulgaire histoire de trafic mondial.